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Danse Flamenco

In: Film and Music

Submitted By yarhna5
Words 3074
Pages 13
INTRODUCTION :

Nous avons assisté à un ballet flamenco appelé "EN EL CAMINO DEL SOL" C’est une petite production composée que de 8 artistes: 4 danseurs ,2 musiciens et 2 chanteurs .L'équipe technique est composée de deux personnes : une pour la lumière , l'autre pour le son . Pour certaines représentations , un seul régisseur général se charge de la mise en place et gestion du son et de la lumière..

Le décor: des chaises sont disposées en demi cercle et les danseuses sont placées au milieu d la scène, les musiciens quant a eux, sont placés devant leur micro Ils restent sur scène durant toute la durée du spectacle et sont habillés en noir .ils jouent principalement de la guitare e et des percussions accompagnés de 2 chanteurs;les danseuses , par contre changent plusieurs fois de tenues et dansent autour de plusieurs thèmes .Il y a une alternance de parties dansées et parties musicales .

Le spectacle est divisé en plusieurs parties :
-une booleria: danse très festive ,rapide, avec quelques espaces d' improvisations de la part du chanteur et des danseuses
-une partie musicale
-une sévillane :danse plus contemporaine que la traditionnelle sévillane une Alegria :danse très joyeuse et rapide .
-un tango (différent du tango argentin)

La danse flamenco:

à l'origine , le flamenco est un chant qui exprime une plainte( tout comme le blues) : en effet se sont les gitans qui sont à l'origine de celui ci et ils ont été longtemps persécutés , emprisonnés en Espagne
Cette douleur , et souffrance est exprimée dans le flamenco.. Par la suite , le flamenco s'est développé comme danse : celle ci n'exprime plus le message de « plainte » , les mouvements ne sont pas narratifs comme dans le cas d'autres danses (danse indienne ou africaine).Ils expriment bien souvent une certaine gaieté , mais peuvent aborder des thèmes plus profond et tristes On reconnaît beaucoup dans les mouvements du flamenco les gestes du torero ..Le flamenco est une danse qui suppose une certaine gestuelle (haut du corps très étiré , bras « cassés » et frappe au sol avec les pieds Les jupes longues , éventails et châles sont des accessoires très utilisés pour cette danse .Le mains , jouent un rôle essentiel car elles terminent le mouvement..
C'est surtout le coté folklorique et gai du flamenco qui sont connus bien que le coté folklorique du flamenco traditionnel est atténué dans le spectacle (costumes moins chargés et plus légers..)

->C'est surtout l'aspect festif , les styles les plus allègres du Flamenco qui ont été privilégiés dans ce spectacle;les musiques étaient très entraînantes et rythmées. ,et pleines de spontanéité .Ce spectacle permet au public une certaine évasion dans une Espagne très festive et épanouie.

PREMIERE PARTIE

LE COUT DE PRODUCTION DU SPECTACLE

Les artistes
Les artistes et les techniciens du spectacle sont la plupart du temps engagés en tant que salariés sur la base de contrat de travail à durée déterminée : leur prestation est temporaire.

Ces conditions d'engagement les amènent à alterner des périodes d'emploi et des périodes non travaillées de façon permanente : ce sont des travailleurs intermittents. d'où l'appellation intermittent du spectacle.

Ils reçoivent environ 200 E(euros) par représentation . de charges versés(inclus TVA).La chorégraphe (et danseuse en même temps) reçoit entre 250 et 350 E : son salaire ,plus élevé que celui des autres danseuses car elle a plus de responsabilité: elle s'occupe des chorographies, de la gestion des répétitions des artistes ,choix des costumes.., ce qui nécessite un temps de travail considérable….Pour chacun des artistes , il faut ajouter 100% de charge à verser à l’état. Un des musiciens se charge de la direction artistique musicale, et dispose d'un cachet un peu plus élevé .Le personnel de l'équipe technique reçoit aussi 200 E par spectacle :il se charge de la gestion de la lumière et son durant le spectacle , la disposition des différents micros selon la position des artistes (chanteurs, musiciens et danseuses )

Costumes:
Ils illustrent les différentes parties du spectacles. Ils ne sont pas semblables aux vêtements typiques du Flamenco même si ils s'en approchent beaucoup .. ; ils sont plus modernes , plus légers , pour faciliter des mouvements
Ils nécessitent peu de financement car sont apportés par les artistes .

Quelques exemples :
-tenue de ville
-tenue rouge et blanc
-chemise blanche et jupes colorée

Cependant une partie des bénéfices actuellement réalisés permettra par la suite d'investir dans de nouveaux costumes , propre au spectacle .

Lumière :

Elle est adaptée a chaque thème du spectacle , pour s'accorder aux costumes des danseurs , à révéler l'atmosphère qui se dégage de la scène ou encore a mettre en valeur les personnages présents sur scènes.... L e financement de l’électricité utilisée pour le fonctionnement de la salle (lumière , son..) est assuré par le producteur.

Producteur:
Le producteur de spectacles prend l'initiative de la production d'un spectacle et engage les artistes et techniciens pour le mettre en ouvre. Il a donc la responsabilité du spectacle et celle d'employeur à l'égard du plateau artistique. Le spectacle créé est ensuite : • soit présenté directement au public, le producteur prenant en charge l'organisation de cette diffusion, • soit vendu à un organisateur de spectacles sous couvert d'un contrat définissant les responsabilités et les engagements des deux parties.

Pans un spectacle , le producteur est principalement concerné par le financement (investissement , budget de production, recherche de financement..) or ce n'est pas le cas ici: le producteur produit les spectacles possède la salle qu'il met gratuitement à la disposition de la troupe .Le spectacle en question ne dispose d'aucune aide ( ni subvention sur la création , ni mécénat)La seule subvention concerne le fonctionnement de la salle (nettoyage , électricité, entretien ...) : elle permet d'absorber totalement ou en partie les dépenses et déficits relatifs au fonctionnement qui représentent un coût très considérables :c'est sur les recettes que le producteur espère obtenir un profit car les subventions permettent a peine de combler les coûts de fonctionnement de la salle. Elles permettent ainsi de pouvoir disposer de la salle ( durant une période limitée) pour les répétitions .Le financement d’une salle de spectacle est toujours déficitaire (même en rassemblant les recettes du spectacle)), il nécessite des moyens considérables : la subvention de l’état pour l’entretien est donc indispensable pour la viabilité économique du projet.
Ainsi le producteur n'est pas subventionné sur la création et diffusion du spectacle . Il reçoit 50% des recettes du spectacle (l’autres moitié est partagée entre les artistes et l’équipe technique) avec lesquelles il paye certaines charges relatives à la soirée de la représentation (personnel a la billetterie , au bar, sécurité...) En réalité il ne fait que 15 % de bénéfices en moyenne(après déduction de ces charges )

LES RECETTES DU SPECTACLE:

Elles sont constituées principalement par les recettes de billetterie, autrement dit par les entrées payantes. Le prix des places est un élément qui peut influer sur le nombre de spectateurs et qu'il devra être établi en fonction des habitudes du public visé. Par ailleurs, un complément non négligeable aux recettes est apporté par la buvette, la vente de programmes et de confiseries.

* Pour certaines représentations , le spectacle crée est directement présenté au public , et le producteur se charge de la diffusion et de la vente des places : les recettes dépendent alors du nombre de places vendues ;suite à la vente : les artistes et le producteur se partagent les recettes.

*Pour d'autres représentations, un organisme (centre culturel…) fait une proposition d'achat du spectacle à la compagnie( il achète donc toutes les places possibles et c'est à lui de supporter les risques liés à la vente des billets )En général le prix de vente au programmateur se calcule ainsi :
P= 1 ,1 x (cachet des techniciens + artistes)

A cela le programmateur doit aussi payer des frais supplémentaires (transport, hébergement , défraiement …)
Pour le spectacle étudié , il doit prévoir par exemple un budget de 6000 euros ; mais ce budget peut être plus bien plus importants selon l’organisation du spectacle. Par la suite ,le programmateur , doit rentabiliser son investissement en établissant le prix des places : par exemple pour une salle de 300 personnes ,le prix d’une place , doit être supérieur a 20 e pour combler les 6000 dépensés pour l’achat du spectacle .Le prix pourra être modulé en fonction du succès du spectacle ( un très forte demande peut pousser à augmenter les tarifs..)

Les recettes sont dans ce cas assurées et fixes puisque les places ont déjà été achetées .En fait tout dépend e la stratégie de ce dernier ; sil il anticipe un succès du spectacle ,il propose d'acheter la totalité des places et de les vendre à un prix supérieur par la suite afin d'en tirer du profit .A l'inverse il a des anticipations négatives sur le succès du projet ,cette opération représente beaucoup trop de risques financiers pour s'y impliquer.
De même , les décision concernant la vente du spectacle dépendent aussi de la stratégie du producteur :peut être est il plus intéressant (même si plus risqué) de se charger de la vente ...

*Le producteur a aussi la possibilité de collaborer dans le cadre de co-réalisations ,
Les deux parties partagent le risque de la recette. En pratique le contrat prévoit le pourcentage de recette attribué à chacun d'entre eux.
Récemment le théâtre 13 a proposé une co -réalisation en demandant 60% des recettes : ce projet a été refusé par la compagnie.. .

Promotion et communication

Elle est à la charge du producteur propriétaire de la salle de représentation. Il faudra informer le public de l'événement et lui donner envie d'y assister. Une nouvelle phase de travail commence, qui doit être rigoureusement préparée et planifiée longtemps à l'avance : la promotion.
Si le "bouche à oreille" reste l'outil de communication de base de tout événement culturel il risque de s'avérer insuffisant s'il n'est pas accompagné de démarches complémentaires.

- L'annonce de la manifestation aux spectateurs potentiels par différents outils( affiches ,envoi par courrier et mail à des aux abonnés ou aux abonnés potentiels ..), matériels et techniques d'information. Cette communication établit un lien privilégié entre l'organisateur et son public ,idéal pour mettre en valeur les futurs spectacles et en rappeler les dates.

-Des actions de sensibilisation auprès de ceux qui ont, par nature, vocation à informer le public : les médias tel que la presse écrite : Particulièrement adaptés à la promotion des spectacles vivants, articles de journaux et magazines ont des effets durables qui permettent d'asseoir l'image et la renommée de l'organisateur et de ses productions. Ces tâches peuvent être confiées à des professionnels : chargé de communication et attaché de presse .Or dans le cas du spectacle « en el camino del sol » les ressources financières restent trop limitées pour recourir aux services de ces professionnels.

Fiche technique

Au moment de la signature d'un contrat les artistes remettent à l'organisateur un document qui décrit les conditions techniques d'accueil du spectacle : la fiche technique. Ses indications doivent être suivies le plus précisément possible.
La fiche technique d'un spectacle fait partie intégrante du contrat et doit être signée en même temps que ce dernier. Cette fiche définit les dimensions minimales de la cage de scène, les équipements et la machinerie nécessaires au spectacle. Elle indique également le matériel requis (draperie, matériel son et lumière) ainsi qu'un planning de montage et toutes informations relatives au spectacle : durée du spectacle, nombre de comédiens. En outre, la fiche technique doit comporter au minimum les quatre rubriques suivantes :

*machinerie : porteuses (nombre, longueur, charge) ; cadre de scène ; etc.
*l'équipe de tournée : techniciens ;
*loges : confort ; nombre
*sonorisation : retours de scène ; microphones ; enceintes ; etc.

La fiche technique gagne à être la plus complète possible pour faciliter la préparation par la structure d'accueil. Dans tous les cas, il faut prendre contact avec la structure d'accueil pour valider et pour éventuellement négocier des demandes en matériel technique et en personnel.

->Quelques heures avant le début du spectacle , des répétitions , filages, des essais techniques (son , lumière..) sont effectués .

Difficultés financières

LA création du spectacle est souvent déficitaire au début, les répétitions ne sont pas payées (seules les jours de représentations sont payés)pour manque de ressources Malgré l’absence de subvention et peu de ressources , les artistes sont parvenus a travailler dans de bonnes conditions et à assurer un spectacle de qualité (la petite taille et étendue permet de limiter les dépenses)De plus , il y a déjà eu plus de dix représentations et les bénéfices en résultant ont pu combler progressivement le déficit et les dépenses initiaux pour la création du spectacle.

Le changement fréquent de danseurs (pour des raisons de disponibilité)pour les représentations pose parfois des problèmes d’organisation , puisqu il faut à nouveau former les nouveaux danseurs pour la chorographie .

Du fait du nombres de personnes sur scène , le spectacle reste assez coûteux pour sa production .Dans un objectif de réduction des coûts et donc d’intéresser plus d’acheteurs du spectacle , il a été envisagé de réduire le nombre de danseurs mais cette idée a été vite abandonnée : tout d’abords le succès croissant du spectacle a permis d’augmenter les bénéfices et d’envisager des investissements futurs ;puis la particularité de ce spectacle est avant tout la danse flamenco à l’unisson (4 danseuses et non pas une sur scène) :réduire le nombre de danseurs affecterait la qualité du spectacle .

DEUXIEME PARTIE

Taux de fréquentation du spectacle :

Les résultats se son révélés très positifs : le spectacle répondant alors à une véritable demande de la part du public dans les spectacle de flamenco :le spectacle trouve son originalité dans une nouvelle organisation des danseurs , puisque non pas un seule danseuse mais 4 sont présentes sur scène. Ce la rend la danse visuellement, plus forte , ce qui plait beaucoup au public :les taux de fréquentations sont en moyenne de 80 % dans les différentes salles :les festivals (festival 11..) , mairies ( Tremblay ..)et centres culturels sont souvent très demandeurs de ce spectacle .Les salles ont en général une capacité entre 150 et 300 places.(la plus grande de 500 places était celle utilisée lors du festival 11) Le choix d'un lieu est aussi un élément essentiel pour le succès d'une manifestation. Conforme aux impératifs artistiques, techniques et aux normes de sécurité, il doit aussi tenir compte des attentes du public en termes de proximité et de confort .Il faut aussi prendre en compte la disponibilité du public pour établir les dates de représentations du spectacle : en effet , il est préférable de programmer le spectacle en fin de semaine pour attirer le maximum de clientèle..

Le succès du spectacle a été tel que les représentations se sont entendues a différentes villes de France : des projets de représentations à l’étranger (Europe) ont été abordés mais restent encore en suspend : d’autres objectifs sont prioritaires (expansion du spectacle …)

LES PROJETS FUTURS

Demander une subvention est un élément essentiel dans la réalisation de ces projets .Plus le succès du spectacle est important , puis les chances d’obtenir une subvention sont grandes ; en effet plus le spectacle est reconnu , moins il y a de risque pour l’état de le financer : en effet , avant toute subvention ,l’état veut s’assurer de l’intérêt de ses dépenses ( subventionne t -il des projets viables économiquement ? )

Toute demande de subvention devra être accompagnée, dans un premier temps, d'une présentation détaillée et précise du projet, des noms et parcours professionnels des collaborateurs artistiques, ainsi que d'un budget prévisionnel de l'opération.

Monter un budget prévisionnel

Pour adhérer à un projet culturel et lui accorder une aide financière, les organismes sollicités vont commencer par examiner le contenu artistique de la proposition. Mais, puisqu'on leur demande de l'argent, il va bien falloir aussi avancer des chiffres, prévoir dépenses et recettes. Comment élabore-t-on un tel budget ?
Organiser un spectacle, c'est travailler dans un contexte budgétaire aléatoire.
Le budget prévisionnel est un outil précieux de pilotage, de communication et de gestion au service du projet artistique et culturel.
Établir un budget prévisionnel, c'est envisager plusieurs hypothèses en évaluant leurs coûts et financements respectifs ; c'est aussi construire un budget réaliste en prenant soin de chiffrer tous les postes nécessaires à l'élaboration du projet.
Le budget prévisionnel devient alors un outil de négociation avec les différents partenaires sollicités pour le financement du spectacle.
Une présentation analytique, toutes taxes comprises, faisant apparaître activités et partenariats spécifiques, favorise les conditions de négociation. Il est indispensable pour la compagnie de : -lister les principaux postes de charges liés à l'organisation du spectacle. -lister les recettes potentielles : o évaluer les entrées payantes au spectacle, les recettes de la vente de boissons, de programmes... o faire état des aides accordées par les collectivités locales sous forme de subventions ou prêt de salle ; o indiquer les subventions sollicitées et les partenaires financiers éventuels.

CONCLUSION

Ayant assisté a ce spectacle , j’ai constaté que manque de moyens n’a pas empêché la compagnie de faire un travail vraiment remarquable , les costumes et les musiques étaient bien adaptés aux différents thèmes du spectacle .
Ce projet est tout à fait viable , et répond à une demande du public : son succès affirmé l’amènera dans le futur à augmenter le nombre de représentations dans des salles plus importantes .Son expansion dépend également des aides qu’il pourra obtenir de l’état . :si la demande de subvention est acceptée , il faut rendre des comptes sur l’utilisation de celle ci dans le projet ; l’état s’assurant alors du respect des conditions établies pour la subvention ( salaires bien payés , respect du budget..)Les subventions s ainsi accordées constitueront une aide globale, pour l’expansion du spectacle et l’aboutissement des projets futurs tel que :
-Améliorer la diffusion et communication (à la charge du producteur): développement de supports photos et vidéo ,publicité et favoriser l’intérêt des médias pour le spectacle -Augmenter le nombre de représentations (actuellement une représentation tous les deux mois)
-la subvention permettra aussi d’augmenter le temps de résidence dans la salle(1 ou 2 semaines ) pour une meilleure préparation du spectacle .
-Prévoir une tournée ( jusqu'à présent la troupe a effectué une dizaine de représentations en un an et demi )
-Recruter davantage de personnel (notamment dans la communication et diffusion , ou encore pour l’organisation de l’événement..) et augmenter les salaires .…...

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The Evolution and Culture of Flamenco Music

...Lindsay Mount MHL 143 Dr. Ferguson 16 August 2014 The Evolution and Culture of Flamenco Music Flamenco style has evolved drastically over the past century. Flamenco essentially was born from the interaction between gypsy and non-gypsy Andalusians of Spain. The history of oppression and changes in political thought has all contributed to the changes in the role of flamenco in the last 100 years. Currently due to tourism and the popularity of flamenco professionalization has risen out of this popularity. A plethora of public performances and concerts are found in Spain today, carrying on the history of the Andalusia people for all to experience (Manuel 47). Flamenco is a strain of Spanish folk music and dance that stems from the region of Andalusia, closely associated with the Romani people of Spain (Gurza E1). This rich development of dance and music has evolved over the last 100 years and beautifully captures the culture of this region by showing differences in its role for the people (Manuel 47). The old role of flamenco music in Spain was essentially used by the lower classes and persecuted gypsies of Andalusia (Washabaugh 51). It was a “cry of pain” for the suffering gypsies and of all the lower classes (Manuel 48). I observed the emotional nature of the music from my visit to the Musical Instrument Museum. The poetic nature of the lyrics was easily heard in my experience in the Spain exhibit. The use of the music was only for the lower classes of Andalusia......

Words: 813 - Pages: 4

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Nia Dance

...examples. Dowd recommended massages in order to loosen and uncramp the muscles and bones in the foot. Giving yourself a massage will help you feel and understand the structure of your foot. I feel the feet are the hardest working part of a dancer’s body. Taking care of your feet is very important for a dancer. What happens to your feet affect your entire body and the way you move. The foot is among the most miraculous mechanism of the body. The instep, the toes, heals and the soled can be used together in several ways. Whether in shoes with heels as in flamenco, ballet slippers, or bare as in African dance, the foot is what gives us movement. I feel in dancing that being in tune and taking care of your feet is very important because it gives you the base to being grounded and effects your entire body movement. If you are dancing all night or just on your feet, proper foot care is needed. When I danced to Hip-Hop, Flamenco, African and Spanish dance I had certain injuries and soreness. I was guided by a professional on how to deal with some achy swollen feet and the following are a few ways to keep on dancing. Foot soak is to relieve the soreness and aches. It is recommended to rest your feet to avoid stress in your muscles and to avoid injury. Ice packs to avoid swelling. Elevating is to reduce swelling and medication if needed. It is very important to pay attention to your feet to reduce injury and will help you to keep on moving and dancing!...

Words: 608 - Pages: 3

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Hiphop OplæG

...hiphopper, skal man ændre tøjstil, kropssprog og man skal tale med masser af slang. Man skal kunne danse mindst en hiphop stilart og man skal høre hiphop musik. Så hvis man ikke kan lide hiphop men kun tøjstilen skal man ikke gå efter at blive en rigtig hiphopper. Boganalyse… Overblik… Bogen er skrevet af Renée Toft Simonsen. Renée blev født d.1. Maj, 1965, i Århus. Hun er nu dansk forfatter og psykolog, men har tidligere arbejdet som fotomodel. Bogen hedder: Den Sejeste. Den blev udgivet af Politikens Forlag, i 2006. Der er 40 sider i bogen. Indhold… Referat: 1. Helena. William er forelsket i Helena, Helena går i hans klasse. Han gør alt for at få hendes opmærksomhed. Men lige meget hvad han prøver, hjælper det ikke. 2. Ikke særlig cool. William ser sit spejlbillede, og synes ikke han er spor cool. Han beslutter sig for, at se ud som de andre drenge i klassen. Han vil også gå i hættetrøjer hængerøv og basketstøvler for så kan det være at Helena kan lide ham. 3. Ligesom de andre. William glemmer alt om lektier, han laver ikke andet end at tænke på Helena. Alle i klassen undtagen hans ven Kasper giner ad hans dårlige undskylninger. William beslutter sig for at det skal være sidste gang, at de andre griner ad ham. Han vil stoppe til rollespil og starte til hiphop. Hiphop. 4. Da William kommer hjem, begynder han at danse hiphop, men han bliver hurtigt afbrudt af sin mor som kommer hjem. Han siger ligeud til sin mor,......

Words: 4164 - Pages: 17

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Folk Dance

...in the Argentinean region of Rio de la Plata, this dance is today known by many of its variations (Argentine tango, Uruguayan tango, Finish Tango and two types of Ballroom tangos - standard and American) and the fascinating sensual and energetic style. • Cha-Cha-Cha - This incredibly rhythmic dance created in Latin America managed to meld together both the slow and very energetic movements, making it an instant hit among the dancers around the world. • Rumba - Popularity of this Cuban dance came from its focus on sensual hip movements of dance partners. Since its creation in 1930s many types of Rumba were created, most notably Cuban Rumba (with the style of the African slaves which created it), • Catalan Rumba (with Spanish flavor), Flamenco Rumba and African Rumba. • Samba - Samba is a famous dance and musical genre that originated form the coast of Africa and land of Brazil. Today infectious rhythm of Samba is regarded as the national dance of Brazil, and its famous Brazilian Carnival gathers millions Samba dance fans every year. • Mambo - This Cuban dance that accompanies the music of the same name was introduced in 1930s, and quickly managed to gain popularity with the exploits of famous musicians and dancers such as Perez Prado, Benny Moré, Tongolele, Adalberto Martínez, Rosa Carmina and Lilia Prado. • Quickstep • Jive • Bolero African-American and Traditional Jazz dances • Charleston - This extremely popular dance type was popularized by famous tune called......

Words: 6745 - Pages: 27